Algo del arte

Live with me

Praxis y physis

accionismo Vienes

Es una foto perturbadora, poco esperada que se ha disuelto en el tiempo. Se trata del accionismo Vienés; con el lema de redimir y liberar este tipo de arte se llevo acabo en los años 70. Para ellos, la sociedad dictada y limitada por leyes, normas que jamás cuestionamos no era otra que la negación del propio ser humano. El hecho de ser organismo vivo en un nivel “avanzado” en sociedad y tuviera control sobre su cuerpo, sin que nadie pudiera impedir la violencia sobre ellos, es parte de las características de este movimiento.

Parte de los rituales perdidos de las religiones antiguas era el sacrificio. Lo maravilloso de este grupo fue la practica creativa y reedificadora de algunos ritos, tratando de crear una empatía en en toda esa humillación y abyección dentro de la obra. Todos estos artistas creian en el uso de sus cuerpos como una tela, que podria recrear en el dolor una reflexión. Así, el dolor producido, como en un ritual, tendría en último término un sentido liberador, catártico, a través de lo «dionisiaco» purificante y su aparentemente nihilismo se presentaría como una crítica a la religión, la moral y la política, manifestada a través de comportamientos sadomasoquistas que buscan la revolución la identidad en la no-identidad.

Selfpaint self mutilation 1965

“El arte es un medio de enamorarse perdida e intensamente de la vida y debe intensificarse hasta el más descarado exhibicionismo que deriva de los sacrificio” Hermann Nitsch

Die Aktionen

Chris Ofili y las nuevas tendencias

Chris Ofili

En estos momentos, donde todo está permitido, un museo Europeo decidió hacer un retrospectiva a un hombre que uso excremento  de elefante en sus pinturas. Su nombre Chris Ofili, parte del grupo al que pertene Damien Hirst. Llamado Young british artists. Los cuales han tratado de innovar el arte, por medio de elementos plásticos poco recurridos, tales como centrar el valor de la idea en un objeto.

Tal como lo hizo Hirst en su momento, con el tiburón en formol; Chris Ofili sólo utilizó un recurso para llamar la atención y centrar la obra no en la pintura, pero de lo que esta hecho la pintura: Excremento de Elefante.  Piero Manzoni en 1961, hizo el primer uso de excremento en una obra conceptual llamada ” Merda d’artista”, las cuales son conservadas en museos y ninguna a sido abierta. Si el tiburón se descompuso, imagino que esta lata estará peor.

Por cierto, la mierda enlatada fue vendida por su peso en oro. No se puede ser más conceptual que eso.

Roy Lichtenstein

El día de hoy, me encontraba en el Starbucks Cholula y de repente vi unos panfletos que hablaban de BMW pintados a mano. Muchos inspirados en pintores que han creado cierto “ito”. De los cuales hubo una descripción que me llamo mucho la atención. Decía: “Roy Lichtenstein era el padre del pop Norteamericano”. Eso no sólo es injusto, pero inexacto.He dedicado varios post al arte pop, Roy Lichtenstein se encuentra dentro de él; sin embargo no es el “padre del pop norteamericano” pero no deja de ser importante. Su relevancia yace en su forma y tratamiento de formas.

Este hombre tomo la representación del comic, que en ese momento  formaba parte ya de la cultura Norteamérica, para usarlo en pinturas de gran formato. Lo que el comic le permitió al Señor Lichtenstein fue suprimir rastros de subjetividad de su visión, además crear una aura de “homogeneidad”  y “neutralidad por medio de mallas y puntos. Pues las pinturas a pesar de parecer impresas por una maquina, en realidad fueron realizadas a mano por este maravilloso pintor. Pero, mientras la trama tipográfica es prácticamente invisible en los tebeos, la ampliación de escala la convierte en texto visual en las obras de Lichtenstein. El uso de colores brillantez y la forma plana de las pinturas permiten que los puntos y los contornos en ese gran formato den elementos abstractos.

La representación tan convencional del comic, que no era otra cosa que la reducción de las superficies; ya que los puntos acotados por gruesas lineas negras despoja las escenas de todo contenido emocional. Exaltando por el contrario el valor decorativo de la imagen. Esto hizo que el pintor y escultor Roy Lichtenstein creara a partir del comic un idioma propio y adquirió una naturaleza plástica. Si me lo permiten, creo que si es el primer Neohistoricó de Norteamérica !Pero no es el padre del pop!

British Pop Art

El british Pop Art  nace en a mediados de los años 1950 en Reino Unido y finales de años 50 en Estados Unidos.  Este moviemiento es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. Los pioneros fueron los artistas británicos, todos estan vinculados al Independent Group. En 1952, el crítico Lawrence Alloway y con un montón de artistas como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, lograron eliminar y poner a un lado sus egos como artistas.

El grupo solo tuvo a bien, programar dos exposiciones colectivas. La primera fue “paralelo de vida y arte” (1953); era una muestra fotográfica que mezclaba sin orden ni jerarquías imágenes de todo tipo (el catálogo las agrupaba en dieciocho categorías):  ilustraciones de libros de ciencias, de arte  pasando y reciente, de objetos y acciones cotidianas, convivían en la exposición convertidas a un mismo nivel de realidad a través de la fotografía (el modo como nos llega la mayoría de información icónica), colgadas de los techos y paredes, las imágenes de la exposición querían transmitir la idea de la equivalencia entre todas ellas como elementos conformadores del entorno visual cotidiano.

Como no había homogeneidad en los artistas del momento fue lo primero que dieron a notar el IG. La disparidad de propuestas que se daban a mediados del siglo XX donde había “modernistas” y creadores de imágenes. A pesar de esa no-homogeneidad, había algo que los unía: todos estaban en contra del status quo del momento, iban en contra de la zona media del gusto inglés.

Trataban provocar una experiencia nueva, que iba desde el olfato hasta el tacto. Querían un que no se quedara en el ámbito visual. . Un grupo joven, ambicioso, de origen obrero, humilde, desinteresados por el establishment británico. Por ello, esta muestra es considerada como la primera exposición de Pop Art. Una de las obras más famosas que se dieron cita en esta exposición es el conocido mural de Richard Hamilton, “Just What is it that makes todays today’s homes so different, so appealing?” que curiosamente no estuvo en la exposición y si en la publicación. Obra que también señala el momento de transición del blanco y negro a la imagen en color.

Del mismo modo, el interés por una de las películas más famosas de aquel año: ‘Forbidden Planet’, incluso un robot fue el encargado de abrir la exposición, quedándose para el recuerdo la frase ‘es la primera vez que un robot inaugura una exposición’.

En fin, espero poder subir un video en unos días que encontré sobre la exposición que de verdad vale la pena ver, analizar y degustar.

Never…

Talento Italiano

La animación me agrada, pero este se voló la barda.

Hiperrealismo y la posmodernidad

Cuando en 1826 los Chevalier dan pasó a la cámara fotográfica  en París no pensaron la consecuencia que tendría este objeto. Que al final permite tantas teorías y en torno a la foto se crearía tanta controversia como método de reproducción y como creador de arte. Por un lado la posmodernidad se dice que se crea a partir de la necesidad del hombre en dejar de poner las cosas de una manera ideal, pone todo en un mismo nivel. Es lo que permite este hiperrealismo, el que a partir de una foto se pudiera crear una realidad con óleos.  Lo único que buscaban estos pintores es crear una realidad con la misma exactitud  y objetividad que una fotografía. Por en sus inicio se llama fotorealisno.

Richard Estes

El paisaje urbano lo cambio y lo hacen algo que podemos ver a diario, pero no dejan de ser deshumanizados, era extraño ver representado el humano; sin embargo el silencio le permite crear por medio de la memoria del expectador la figura humana.

Don Eddy es un pintor que se preocupa por la sociedad que esta desembocada en el consumo mismo, tratando de cubrir los huecos de la sociedad después de las guerras. Son carros perfectos e inmaculados. Casi como algo sagrado para la sociedad: los autos.

Mi bruja

Nadie como ella, nadie como ella para mí. Me inspira, me acompaña y me hace pensar en lo que he dejado en el pasado. Gracias por el video (via @Kurioso)